Mark Rothko est l'un des artistes les plus célèbres de sa génération. Il fut l’un des pionniers de l'expressionnisme abstrait. Sa peinture interroge les vibrations entre les couleurs : il superpose des formes rectangulaires, créant des bandes horizontales dans lesquelles les couleurs adjacentes tremblent, vibrent et semblent même émettre une sorte de lumière. Un caractère spirituel, métaphysique se dégage de ce travail. Ses œuvres sont également liées à la tragédie, à l'extase et au sublime. Rothko croyait fermement qu'une peinture abstraite pouvait représenter directement la nature fondamentale du drame humain.
Le peintre a lutté contre ses propres interrogations en tant que personnage troublé, traversé de pensées tourmentées et souffrant de mélancolie, avant de se suicider en 1970 à New York.
Marcus Rothkowitz est né le 25 septembre 1903 à Dvinsk, en Russie, aujourd'hui connue sous le nom de Daugavpils, en Lettonie. La famille Rothko a immigré aux États-Unis alors que Mark, leur quatrième et plus jeune enfant, n'avait que dix ans. Elle s’installe à Portland, dans l'Oregon. Mark Rothko voulait devenir ingénieur ou avocat, il est donc allé à l'Université de Yale en 1921.
Mais il abandonne finalement ses études deux ans plus tard. Prêt à déménager à New York en 1923 et à poursuivre sa véritable vocation de peinture, Rothko suit des cours d'art, étudiant sous la direction de Max Weber à la Art Students League. Rothko peint ses premières œuvres, figuratives et évocatrices de maîtres modernes. Au cours des années folles, Rothko rencontre Milton Avery, un peintre moderniste occupé à représenter des sujets domestiques de manière colorée mais simplifiée. Avery aura une grande influence sur le jeune Mark Rothko, tout en enseignant également aux enfants de la Center Academy du Brooklyn Jewish Center.
Au cours des années 1930, Rothko peint principalement des scènes de rue, des scènes de métro et des intérieurs souvent peuplés de personnages énigmatiques. En véritable moderniste, il rejette la représentation naturaliste conventionnelle et met l’accent sur l’aspect émotionnel du sujet. Il aura ses premières expositions personnelles en 1933 au Museum of Art de Portland, Oregon, et à la Contemporary Arts Gallery de New York. Plutôt que de fournir une représentation réaliste de la vie urbaine, Rothko semble bien plus intéressé à transmettre l'expérience d’une perception de l'espace architectural, en utilisant des arrangements de composition abstraits pour explorer la relation entre le tableau et son spectateur. Un élément qui jouerait un rôle essentiel dans l'œuvre de l'artiste et travaux ultérieurs. Au cours de la décennie suivante, les œuvres de Rothko revêtent un caractère symbolique beaucoup plus fort.
En raison du climat social d'anxiété collective, de la dépression des années 1930, du fascisme et de la Seconde Guerre mondiale, Rothko a estimé que ce travail ne pouvait pas exprimer l'ampleur profonde de la tragédie de la condition humaine. Ce faisant, Rothko et ses contemporains étaient à la recherche d'un nouveau langage visuel, de nouveaux idiomes et d'une nouvelle esthétique. En 1943, Mark Rothko, Adolf Gottlieb et Barnett Newman écrivent au New York Times que c'est une notion largement acceptée parmi les peintres que ce que l'on peint n'a pas d'importance tant que c'est bien peint. C'est l'essence de l'académisme. Il n’existe pas de bonne peinture sur rien.
« Nous affirmons que le sujet est crucial et que seul est valable ce sujet, qui est tragique et intemporel. C'est pourquoi nous professons une parenté spirituelle avec l'art primitif et archaïque ».
De ce fait, ses œuvres des années 40 sont marquées par des mythes et des symboles. Rothko s'inspire de la littérature classique, comme la mythologie grecque, ou de la littérature religieuse comme l'Ancien et le Nouveau Testament, plusieurs de ses peintures faisant référence à des passages spécifiques de ces sources. Rothko n’est pas intéressé par l’anecdotique. Il tente au contraire de saisir l'esprit et le mythe du passage, qui est lié à toutes les grandes histoires et mythes de tous les temps.
Cet aspect universel et structurel est crucial pour la compréhension de l'oeuvre de Rothko, y compris de son principal corpus d'œuvres abstraites. C’est ainsi que sa peinture évolue radicalement. Inspiré par le surréalisme, l’artiste assouplit sa technique, laissant entrer les forces créatrices de l'inconscient, entraînant une évolution vers un langage visuel plus abstrait. En diluant ses pigments et en peignant dans des glacis très fins et superposés, il obtient une certaine luminosité et vibrance dans ses œuvres. Les éléments du surréalisme et du mythe ont disparu dans ses compositions aux bandes horizontales.
La carrière de Rothko atteint ici un tournant crucial. De 1947 à 1949, les peintures de Rothko se sont transformées en peintures à champs de couleurs caractéristiques qu'il a continué à peindre jusqu'à sa mort en 1970. Au cours de cette période de transition, Rothko a d'abord commencé à numéroter ses peintures au lieu de leur donner des titres conventionnels. De plus, le nombre de rectangles flottants sont réduit à deux, trois ou quatre, ce qui donnent le format caractéristique que nous connaissons le plus aujourd'hui. A ce moment, le peintre a commencé à refuser d’expliquer le sens de ses œuvres. Parce que le silence est si précis. Il craignait que les mots explicatifs ne paralysent l'imagination ou l'interprétation personnelle du spectateur. Rothko a expérimenté sa peinture, combinant à la fois de la peinture à l'huile et à base d'œuf, en les appliquant en fines lavis sur la toile. Les compositions d'une simplicité trompeuse sont en fait remplies d'effets et de techniques picturales.
L’ampleur de ses toiles n’est pas le résultat d’une quête de monumentalité, mais d’intimité et d’humanité. Ce faisant, on peut s’approcher de l’image de près, ce qui entraîne une expérience à l’intérieur de l’image tout autant qu’à distance. De plus, les œuvres à petite échelle se prêtent davantage à la peinture narrative, tandis que les grands tableaux dans la tradition de la peinture historique monumentale sont comme des drames, dans lesquels le spectateur participe de manière très directe à cette mystique. À la fin des années 1940, et surtout tout au long des années 1950, la renommée de Rothko augmente de façon exponentielle. Il voyage en Europe et devient un artiste à succès.
Cependant, en même temps, il ressent un isolement personnel croissant. Rothko se croyait un artiste incompris et ses œuvres étaient souvent achetées pour de mauvaises raisons. Ni les critiques ni le public n’ont vraiment saisi le sens de ses œuvres. Ils l'ont classé dans la catégorie de l'abstraction. Alors que Rothko avait l’intention d’aller au-delà à partir de la fin des années 1950.
Souvent considérée comme ses œuvres tardives, la palette de Rothko a commencé à s'assombrir considérablement. À ce stade, Rothko prend en charge la commande murale du Seagram Building à New York, modifiant son motif d'une forme fermée à une forme ouverte, comme s'il représentait un portail. Tout au long des années 1960, sa palette sombre a dominé ses œuvres comme s’il s’agissait de poèmes de la nuit. De 1964 à 1967, Rothko a travaillé sur les célèbres peintures de la chapelle Rothko à Houston. Il se détourne des peintures les plus rayonnantes de la décennie précédente, mettant l'accent sur la subtilité perceptuelle de ses œuvres.
Les peintures en question évoquent une sensation d'enceinte qui prête à la méditation, d'où le caractère fortement spirituel de la chapelle. Selon la lecture que Rothko fait de Nietzsche, ses œuvres pourraient être une représentation de l'opposition entre le rationnel et l'émotionnel, l'abstrait contre le primal. L’impression d’un vaste espace donne naissance au concept historique du sublime, qui peut être décrit comme une expérience presque religieuse d’une immensité sans limites. C'est exactement ce que réalisent les œuvres de Rothko. Ils créent leur propre environnement sacro-saint, allant au-delà de l'abstraction et au-delà de la peinture et même au-delà de la vie.
En 1968, on diagnostique à Rothko un anévrisme à l'aorte. L’artiste buvait et fumait beaucoup. Il fut même contraint d’arrêter de peindre ses œuvres monumentales en raison de ses problèmes de santé. Sa mauvaise santé, son impuissance, sa nervosité et son caractère agité ont abouti à la fin de sa relation. Rothko et sa femme Mel ont suivi leur propre chemin.
Le jour du Nouvel An 1970, il emménage dans son studio, où il sera retrouvé mort sur le sol de la cuisine le 25 février par son assistant de studio. L'artiste s'était suicidé par overdose et par une grave coupure dans l'artère avec une lame de rasoir. Le même jour, ses peintures murales Seagram sont arrivées à Londres pour être exposées à la Tate et y sont toujours visibles aujourd'hui.
